Aviso: este artigo irá conter algumas teorias sérias.
Ah sim, a grande e assustadora palavra “T”. A banalidade da existência de muitos músicos. Queremos apenas fazer música, entrar no estúdio e trabalhar na nossa próxima obra-prima sem termos de nos preocupar com conceitos como bandas de frequência, alterações de teclas ou taxa de bits.
Mas a menos que queiramos pagar para que outros façam o trabalho por nós – o que, devo dizer, não é necessariamente uma má estratégia – estas são pontes que temos simplesmente de atravessar. Queimá-los seria satisfatório, mas em última análise incapacitante na sua viagem para se tornar o próximo compositor influente *inserente aqui*.
Enquanto o DAW e os seus instrumentos serão sempre a base sobre a qual constrói o seu estúdio musical, os efeitos áudio – quer sejam nativos do seu software de estação de trabalho ou de plugins de terceiros – podem ser um canivete suíço para sons e manipulações áudio inacessíveis, se utilizados de forma responsável.
Ao aprender sobre alguns dos principais efeitos áudio, os seus propósitos e potenciais usos, dá-se a si próprio uma melhor rampa de lançamento a partir da qual se podem lançar as suas produções de estúdio em casa.
Quer queira simplesmente aprender a misturar a sua própria música, mergulhe no vasto mundo dos VSTs para melhorar o seu kit de ferramentas de estúdio ou esteja puramente interessado na teoria por detrás dele – certamente que não! – Espero sinceramente que este artigo o coloque no caminho certo para atingir os seus objectivos.
Não sou engenheiro profissional e não pretendo que este artigo o leve de principiante a mestre de produção, mas espero que lhe dê uma visão geral fácil de compreender dos efeitos áudio mais utilizados.
Com este conhecimento, pode começar a aplicá-lo às suas próprias criações, aprender fazendo e aplicando, e lentamente tornar-se um engenheiro de áudio bastante proficiente, confortável com a utilização da maioria dos efeitos áudio genéricos nas suas faixas.
Claro que, para um tutorial de mistura mais aprofundado, existem literalmente centenas de livros sobre o assunto que darão início à sua campanha no estúdio de música, atacando o “problema” (ou seja, como fazer uma canção soar) a partir de muitos ângulos.
Foram escritos livros inteiros sobre efeitos áudio individuais, dos quais discutirei apenas algumas centenas de palavras abaixo – por isso, se quiser recursos adicionais para além do que eu forneço, por favor faça.
Não vou ficar com ciúmes.
Os 5 Grandes
Em geral, existem 5 efeitos áudio principais que são aparentes em quase todas as canções que são gravadas ou tocadas. Mesmo para além do mundo da mistura, quando se está a mexer em pedais de guitarra, ou mesmo no seu sistema de alta-fidelidade, é provável que pelo menos alguns dos 5 grandes efeitos estejam envolvidos de uma forma ou de outra.
Devido à sua importância, é vital que tenhamos uma compreensão básica das suas funções antes de embarcarmos em qualquer tipo de aventura em estúdio doméstico, mesmo que queiramos cingir-nos aos clássicos efeitos VST/audio no futuro.
Os 5 Grandes são :
- Equalização
- Compressão
- Reverberação
- Data limite
- Saturação
Eles serão o foco da aula de hoje, por isso sentem-se, prestem atenção e estejam preparados para tomar notas. Se tiver sorte – e se comportar – após a aula, posso mencionar alguns outros efeitos áudio divertidos que podem impressionar as suas produções.
Pronto?
Vamos.
EQs (Equalizadores)
O que é isso?
Os equalizadores (mais conhecidos como EQs) são uma das formas mais comuns de processamento de áudio e são provavelmente a única das 5 que os consumidores terão utilizado sem nunca terem desenvolvido uma canção.
Pode encontrar equalizadores no seu telefone, muitas vezes com várias predefinições, no seu estéreo, no Spotify, num pedal de guitarra e até no seu carro.
Além destes usos domésticos, os equalizadores encontram-se em amplificadores e altifalantes, utilizados em salas de produção de rádio e televisão e em teatros.
Os principais tipos de equalizador são: gráfico e paramétrico. Existem alguns outros, mas ao nível funcional básico todos fazem a mesma coisa: ajustam o volume (sinal eléctrico) de uma “banda de frequência” específica, alterando assim o som global.
Isto pode ser simplesmente utilizado para tornar um som mais agradável, por exemplo, ligando o botão do baixo do seu carro quando uma determinada música está a tocar, ou para remover frequências (sons) indesejadas, tais como roncos e rangidos eléctricos.
A maioria dos EQs que encontrará na sua mistura básica e na sua viagem musical incluirá também um valor Q, que determina a largura da banda de frequência modificada.
Por exemplo, digamos que está a reduzir o volume do baixo numa faixa que está a fazer. Um valor Q baixo indica uma banda larga, o que significa que os seus cortes no balanço baixo podem variar entre 100 e 400hz.
No entanto, se utilizar um valor Q muito superior, a alteração de volume pode aplicar-se apenas a um intervalo de 250 a 270 Hz.
Cada método de manipulação do sinal áudio é chamado de “filtro”, e existem muitos métodos diferentes. À medida que progredir na sua carreira como grande músico, aprenderá muito, mas por agora vou mantê-lo simples e dar uma visão geral dos métodos de filtragem mais comuns e acessíveis.
Provavelmente o mais simples de compreender, os filtros passa-alto e passa-baixo (HPF e LPF respectivamente) removem completamente qualquer som abaixo ou acima de uma certa frequência.
Por exemplo, se definir um filtro passa-alto para 200 Hz – embora a gama de frequências específica dependa do Q que está a utilizar – removerá todos os sons de cerca de 100 Hz ou menos. Evidentemente, o inverso aplica-se a um filtro passa-baixo.
Filtro passa-alto
Estes filtros são essenciais para quase todo o trabalho áudio e permitem que até o engenheiro de som mais novato faça uma diferença quantificável ao limpar as suas gravações.
Os filtros passa-altos também são por vezes chamados filtros passa-baixo e os filtros passa-baixo são muitas vezes chamados filtros passa-alto.
Os filtros de prateleira funcionam da mesma forma que os filtros passa-altos, na medida em que funcionam em termos de uma frequência acima ou abaixo de uma frequência, em oposição a uma gama. Na maioria das vezes, quando se roda o botão de agudos sobre um produto de consumo, está-se a manipular um filtro de prateleiras.
Filtro de agudos (impulso de 6dB)
Os filtros de prateleira funcionam para reduzir um sinal abaixo ou acima de uma dada frequência, mas ao contrário dos filtros de baixa passagem, uma prateleira não remove completamente o som e pode de facto ser utilizada para enfatizar (ou amplificar) o sinal.
Isto permite um efeito mais direccionado na tonalidade de uma faixa ou canção, por oposição aos filtros mestres que são concebidos mais para “limpar” uma mistura do que para alterar as qualidades áudio.
Os filtros sinos são devidamente nomeados porque se assemelham a um sino. Trabalham da mesma forma que os filtros de prateleiras, ou seja, amplificam ou cortam o sinal de acordo com uma frequência pré-determinada.
No entanto, em vez de estarem acima ou abaixo de um ponto específico do espectro, operam num intervalo.
Para explicar melhor: Se definir um filtro de baixa frequência para 500Hz, a gama de frequência afectada pelo corte ou aumento será de 0-500Hz. Por outro lado, um filtro de campânula fixado em 500hz poderia alterar as qualidades sónicas da gama de frequências de 400-600hz.
Isto permite fazer modificações muito específicas e em pequena escala no áudio, que irei abordar um pouco mais tarde.
É uma combinação estranha do filho do filtro do sino e dos irmãos do filtro do passe. Um filtro de entalhes é muito semelhante a um filtro de campainha – afecta uma pequena gama de frequências em vez de tudo acima ou abaixo de um determinado ponto – mas “ultrapassa” completamente a banda de som a que é aplicado.
Em termos simples, se definir um filtro de entalhe para 2500 Hz, isto significa que – novamente dependendo do valor Q – todos os sons entre 2475 e 2525 Hz serão simplesmente removidos do sinal de áudio.
Os EQ paramétricos envolvem algumas outras funções, que não entrarei em demasiados detalhes por medo de ser sugado para o vazio infinito (fique atento a outras referências relacionadas com o vazio ao longo desta série!) de complexidades da engenharia de áudio
Está bem. Já é suficiente. Passemos à secção seguinte, onde lhe darei uma amostra do que pode fazer com o poder absoluto de um simples pequeno objecto gráfico no seu ecrã.
Como e quando devo utilizá-lo?
Devo admitir – como ironicamente tento educar os meus fiéis leitores através das escrituras – que aprender e usar a EQ é melhor feito visualmente (através de imagens) e sonoramente do que através da palavra escrita.
Esperando que as imagens incluídas dêem alguma perspectiva, eu não ficaria chocado se alguns recém-chegados à EQ ficassem confusos com a secção anterior.
Não se preocupe, há mais a QE do que saber o que ela faz. De facto, ser especificamente informado sobre o que fazer com uma mistura é uma mentalidade tóxica para se ter em primeiro lugar. A melhor maneira de fazer qualquer coisa é (isto não o chocará, e pode mesmo torná-lo pior…) fazê-lo por si próprio.
Há muitos : Alguém no YouTube disse que se você EQ os vocais com um filtro a 5 kHz e um ligeiro impulso a 450 kHz, a sua canção estaria pronta para a rádio. Mas quando o fiz na minha canção novinha em folha, soou ainda pior!
Isto porque não há um conjunto de regras, um conjunto de directrizes para nivelar uma pista com sucesso. Tem de ser feito com base no sentimento e na experiência, e a única forma de ganhar experiência é ter a experiência de que necessita. Como perguntou Jimi Hendrix, “És Experiente?
Brinque com ela! Escolha uma canção ao acaso. Arrastar e largar vários pontos de EQ. Veja como cada pequena mudança que faz manipula o áudio, alterando-o de formas que podem ser completamente imperceptíveis ou totalmente revolucionárias.
Dito isto, há uma série de métodos de EQ que são frequentemente utilizados para melhorar a mistura de uma canção. Discutirei brevemente algumas destas técnicas antes de passar ao efeito áudio número 2 de 5.
Digitalização
Usado para encontrar sons francamente repugnantes, tais como ressonâncias de sala ou ecos malévolos, varrer envolve tomar um filtro de campainha, aumentando-o numa quantidade absurda (frequentemente 15dB ou mais), e depois varrer (eu sei, certo?!) através do espectro de frequências, notando sons particularmente ofensivos.
A forma como se define o que é particularmente ofensivo é na verdade um ponto de discórdia para este método e é um dos seus principais inconvenientes, mas a um nível básico pode ser eficaz para principiantes na EQ.
Uma vez feito isto, volta-se a cada gama de frequências que se tenha anotado e adiciona-se um filtro de entalhes.
Equalização de espelhos
Também conhecido como entalhe, este é um método de equalização orientado para projectos musicais “grandes” com uma série de faixas e camadas diferentes com qualidades sónicas sobrepostas.
Quando se mistura uma faixa que soa enlameada, ou uma canção onde os instrumentos simplesmente desaparecem no caos, o espelhamento é um método popular de adicionar espaço à mistura.
Isto é feito amplificando um determinado sinal de frequência numa faixa e depois cortando exactamente a mesma banda de frequência noutra, criando assim um espaço no espectro auditivo para que os sons coexistam pacificamente.
Filtragem de passagem
Como vimos acima, a filtragem de passagens é uma parte essencial de qualquer exercício de mistura e uma das muito poucas dicas a seguir. Deve fazê-lo em tudo.
De facto, deve-se cortar abaixo do ponto em que o som real entra na gravação, reservando o filtro para a remoção do zumbido e do zumbido.
Claro que a experiência entra em jogo quando se decide onde cortar, com a resposta a essa pergunta melhor informada ao ouvir a canção/áudio e não pelo que disse um desconhecido na Reddit.
Outros usos
O acima exposto é apenas a ponta do iceberg quando se trata de usar o EQ no seu trabalho de estúdio em casa.
Pode ser usado criativamente, reproduzindo um som do tipo altifalante/rádio, ou usado para manipular a posição de certas faixas num campo sonoro. Pode fazer as vozes soarem apertadas e brilhantes, ou os teclados soarem boomáticos e enormes.
O que se faz com o EQ depende de si, mas as opções são quase ilimitadas. Nenhum outro efeito é tão vital para o som de uma canção completa.
Pode utilizar filtros passa-altos para criar secções de som lo-fi para adicionar “acumulação” ou uma alteração no som sem alterar significativamente o volume
Compressão
O que é isso?
Alguma vez ouviu uma música suave e acústica no Spotify enquanto conduzia o seu carro, aumentou o volume para que pudesse fazer um groove melhor, só para bater alguns segundos depois de a próxima música da fila se ter anunciado num volume ridículo a sair do seu altifalante? Pois bem, eu fiz.
Existe um compressor para evitar que este cenário ocorra, mas normalmente no vácuo (voltei a fazê-lo!) de uma canção individual, ou mesmo de uma gravação individual.
Tal como a EQ, a compressão tem funcionalidades importantes para além do seu próximo projecto de hip-hop em Ableton Live. É uma componente essencial em muitos campos relacionados com o áudio, tais como a rádio, o cinema e o espectáculo ao vivo.
O principal objectivo de um compressor é reduzir a gama dinâmica do áudio, permitindo uma experiência de audição suave e consistente.
Em termos gerais, existem dois tipos principais de compressão, embora existam subcategorias independentes sob estas categorias que têm as suas próprias utilizações populares.
A compressão descendente visa reduzir/controlar os sons acima de um nível de limiar definido, reduzindo o seu volume, sem ter qualquer efeito sobre a força do sinal dos sons abaixo do limiar. Este é o tipo de compressão mais comum.
Como seria de esperar, a compressão ascendente funciona de forma oposta à compressão descendente, enfatizando os sons que existem abaixo de um limiar de volume específico e deixando intactos os sons mais altos.
Os limitadores funcionam segundo o mesmo princípio, mas são mais frequentemente utilizados na masterização ou em misturas inteiras do que em gravações individuais, para controlar a sonoridade do áudio de acordo com a emissão.
Expansores (que aumentam a gama dinâmica do áudio), portões sonoros (que eliminam o som abaixo de um determinado limiar de decibel) e DeEssers (concebidos para bloquear ou atenuar a dura frequência que os cantores produzem quando cantam apitos).
Como e quando devo utilizá-lo?
Embora as propriedades técnicas – quanto mais a complexidade geral – dos EQ possam ser discutidas de forma bastante breve, os compressores têm uma série de funções e controlos específicos que seria enfadonho para mim expressar e igualmente enfadonho para si ler neste caso.
Se quiser saber mais, recomendo a leitura de um artigo, capítulo de livro ou assistir a um vídeo sobre compressão, uma vez que se trata de um tópico amplo e leva algum tempo a dominar.
Os parâmetros ajustáveis mais comuns para a compressão são: limiar, relação, ganho/boot, ataque, libertação, joelho, pico ou RMS e look-ahead.
Para fins extremamente básicos, as únicas três coisas que precisa de saber são o limiar, o rácio e o ganho.
O limiar afecta o “limite” que o seu sinal áudio não pode ir acima ou abaixo, a relação afecta a quantidade de sinal acima ou abaixo do limiar e o ganho é ajustado para trazer o volume global da faixa de volta ao seu lugar original, uma vez que os compressores frequentemente aumentam ou diminuem o volume de toda a gravação.
Quando utilizar um compressor
Ao misturar a sua canção (ou a canção de qualquer outro artista), os compressores são quase sempre úteis. Uma gama demasiado dinâmica cria uma experiência de audição desagradável, e a compressão é essencial para que a sua canção caiba numa mistura.
Muitos engenheiros dão efectivamente prioridade à compressão da via antes de tomarem medidas básicas de equalização.
Dito isto, deve ter muito cuidado para não comprimir demasiado a sua pista, a menos que seja uma decisão artística (comprimir demasiado os tambores é uma escolha criativa comum, por exemplo a introdução ao Oasis’ Live Forever). O uso excessivo deste efeito pode resultar num som estreito e boxeado que soa excessivamente processado e não musical.
Não quer ter muito alcance dinâmico, mas também não quer ter muito pouco. Pode perder o brilho, a musicalidade, o brilho de algumas performances se for demasiado liberal na sua utilização da compressão.
A forma de evitar isto, claro, vem com a experiência (oh, não fiques tão surpreendido!), mas ainda há uma certa lógica que até um novato pode antecipar e executar.
Faz sentido que uma canção pop ou electrónica, com mais actuações virtuais e um desejo de ser mais forte, exigiria muito mais compressão do que uma balada popular indie.
O mesmo conceito aplica-se a instrumentos individuais – guitarras eléctricas ou tambores de metal pesado excessivamente movidos são maiores e têm uma gama dinâmica muito mais pequena do que a picada de dedos numa guitarra acústica ou viola solo. A guitarra e a bateria provavelmente sofreriam muito mais compressão antes de perderem a sua magia do que a acústica ou a viola.
Tal como os EQs, os compressores têm uma reputação injusta de serem funcionalmente importantes mas não artisticamente importantes, quando na realidade o oposto é verdadeiro.
Há todo o tipo de ideias musicais loucas que podem ser implementadas com um compressor – só é preciso ter o talento para tentar.
Reverberação
O que é isso?
A Reverb é essencialmente um espelho para o som.
O som propaga-se de uma fonte de uma forma estranha (mas talvez não tão estranha se for um estudante de física), na medida em que se propaga para fora em todas as direcções, e não apenas na direcção para a qual é dirigido. Assim, quando as ondas sonoras atingem um objecto sólido, fazem ricochete nele, provocando um reflexo – ou um eco.
Este efeito é muitas vezes invisível ao ouvido em pequenas salas, uma vez que as ondas sonoras viajam todas tão próximas umas das outras que são relativamente imperceptíveis. Dito isto, a reverberação é naturalmente amplificada em grandes espaços, tais como catedrais ou salas de estúdio designadas.
As casas de banho são frequentemente ambientes altamente reverberantes devido ao chão de azulejos – tenho a certeza que alguns de vós passaram muitas horas num destes ambientes a cantar ópera, os ecos transformando a vossa terrível actuação vocal em algo que poderia ser confundido com o de um virtuoso.
Tal efeito foi geralmente reproduzido através do posicionamento de um microfone numa grande câmara de gravação.
Desde então, a Reverb tornou-se o Santo Graal dos efeitos virtuais, com milhares de emulações digitais de quase todos os ambientes de gravação imagináveis disponíveis para simples (embora muitas vezes dispendiosas) download para a sua estação de gravação digital.
Quer replicar a Abbey Road onde os Beatles gravaram, bem, Abbey Road? Pode fazer isso. Querem soar como se as vossas vozes tivessem sido gravadas em Notre Dame? Essa opção está disponível para si.
O processamento reverb também está disponível como unidades de hardware, normalmente contidas em unidades como amplificadores de guitarra, sistemas de som, pedais de efeitos e equipamento analógico.
Existem 4 tipos principais de reverberação.
- Reverberação da câmara
- Reverberação da placa
- Reverberação da mola
- Reverberação digital
A forma original de reverberação, como explicado acima – reverberação de câmara – é baseada na colocação do microfone num espaço acústico.
A reverberação de placas começou a tornar-se popular nos anos 60, tendo a sua flexibilidade usurpado a de reverberações ‘orgânicas’ gravadas numa câmara de eco.
Para fazer a reverberação da placa funcionar, foi necessário criar todo um dispositivo, especialmente tendo em conta que agora é facilmente emulado num chip minúsculo num computador.
Como o nome sugere, uma verdadeira placa de aço foi mantida unida por cordas esticadas, permitindo que as vibrações de um som emitido por um transdutor fossem reflectidas na tensão do metal.
Embora seja um dispositivo aparentemente complexo e pesado, o advento da placa reverbera levou a uma nova e excitante exploração artística por bandas seminais como os Pink Floyd e os Beatles. Sim, já deve ter ouvido falar deles.
Os reverbos de mola funcionam de forma semelhante aos reverbos de placa, mas são mais pequenos e mais baratos de produzir.
Como uma placa, um reverbo metálico cintilante é simulado através da transmissão do som de um transdutor para uma superfície metálica – mas utiliza uma mola, bobina de enrolamento em vez de uma folha plana.
Devido à sua portabilidade e custo relativamente baixo, os reverbos de mola são frequentemente utilizados em amplificadores de guitarra e pedais de efeitos.
Os reverbos digitais envolvem uma série de processos electrónicos para emular os métodos de reverberação listados acima. Não sendo um entusiasta da física ou da electrónica, não consigo realmente explicar como os circuitos digitais produzem uma forma versátil de eco que é utilizada na maioria das aplicações musicais reverberantes actuais.
É um pouco como uma televisão – não sei como se liga, mas liga-se, e isso é suficiente para mim.
Em geral, este tipo de reverberação é de longe o mais versátil, pois é capaz de emular diferentes durações, tamanhos de salas, atrasos, respostas de frequência, etc.
Qualquer VST que utilize no seu DAW será tecnicamente um reverberador digital, mas muitos dos reverberadores mais populares são reproduções de placas clássicas, molas ou equipamento de câmara.
Plugin Reverb da Placa de Estrada da Abadia
Tal como na secção anterior sobre compressão, os VST reverb reverb têm demasiadas características únicas e complexas para que possamos detalhá-las todas – mas simplesmente brincar com elas é um passatempo extremamente divertido e uma óptima forma de aprender à medida que se avança.
Mude cada botão e veja como cada decisão afecta o som da fonte – é uma forma muito melhor de ganhar conhecimento sobre a mistura do que ler sem sentido o que um tipo qualquer na Internet lhe diz.
Como e quando devo utilizá-lo?
O interessante do reverb é que a sua utilização está frequentemente associada à experimentação e à aventura artística, o que é bastante diferente da compressão e da equalização, que são vistas principalmente como funcionais. Isto é totalmente errado.
Esta percepção existe simplesmente porque o reverb é uma ferramenta mais comum para criar sons únicos, e não porque permite um maior nível de criatividade musical.
Géneros como o post-rock, shoegaze, dream pop e ambiente giram todos em torno do uso extensivo de efeitos reverberantes, o que alimenta este pensamento.
A realidade é que o reverb é uma ferramenta funcional essencial para qualquer mistura. Quando grava num ambiente “seco”, ou seja, o seu microfone está posicionado para captar apenas o seu desempenho vocal/acústico, o som resultante é, bem, simplesmente esquisito. É sem vida e aborrecido, e a única forma de trazer uma sensação natural à gravação é adicionar, ironicamente, reverberação artificial.
Além disso, a reverberação é um elemento indispensável quando se trata de espaçar uma pista. Uma combinação bem afinada de EQ e reverberação pode criar a ilusão de espaço, enviando alguns dos elementos de suporte de uma canção para a parte de trás do espectro auditivo, ao mesmo tempo que traz as principais faixas para a frente.
É essencial para dar às suas gravações um som natural, mas também para tornar as suas misturas mais profundas, mais espessas e mais equilibradas. Para não mencionar, claro, os seus muitos usos criativos.
É importante não utilizar excessivamente VSTs reversíveis na sua música, a menos que pretenda criar um certo humor ou som. Demasiado eco pode levar a confusão no espectro auditivo do ouvinte, à medida que elementos de faixas individuais concebidas para se destacarem se misturam, desfocando a canção, transformando-a num grande vácuo sonoro.
SER SUBSTITUÍDO.
Então, está a perguntar-se como evitar criar esse eco e fuzz overlay nas minhas canções, sem que as minhas gravações acústicas soem secas e não naturais?
Entrar.
Data limite
O que é isso?
Atraso é exactamente o que parece (engraçado, não é?). Semelhante ao reverberar, o efeito de atraso gira em torno de um eco de parte do áudio, que pode repetir-se continuamente, decair e deixar algum tempo entre cada retorno do sinal.
O atraso difere do reverberar porque o reverberar é concebido como uma reprodução natural de ondas sonoras que ressaltam continuamente das superfícies, criando um som mais rico e espesso.
Em contraste, um atraso é uma réplica não natural de uma fonte sonora que ecoa UMA VEZ e depois pára. É por isso que um eco de atraso básico soa quase exactamente como a sua fonte áudio, enquanto um eco reverberante soa mais como uma paisagem sonora mista do que uma fonte individual.
O atraso da fita é uma das primeiras formas de atraso facilmente reprodutíveis utilizadas pelos músicos. A sua utilização comum começou nos anos cinquenta, embora outras formas já existissem antes. Este método de atraso funciona através do envio do sinal áudio real (a ser gravado) para outro gravador de fita.
O atraso entre a recepção da fonte áudio inicial e a sua replicação na cabeça da segunda fita criou um eco que se tornou um efeito popular entre os músicos.
Os atrasos de estado sólido apareceram brevemente no mercado profissional nos anos 70 como uma alternativa aos atrasos de fita, mas foram rapidamente usurpados pela força dominante no eco de hoje – o atraso digital.
Plugin de Fita Ecológica Galáxia
O atraso digital funciona de forma muito semelhante ao digital reverb, na medida em que processa um sinal através de uma variedade de meios, digamos electrónicos, permitindo uma extrema versatilidade, portabilidade e funcionalidade.
Este método de criação de um eco foi naturalmente transportado para software informático com o nascimento e aquisição hostil de DAWs como o meio predominante para a produção musical, levando à miríade de VSTs de atraso à nossa disposição no mercado actual.
Como e quando devo utilizá-lo?
Uma vez que disse quase exactamente a mesma coisa para cada elemento VST em particular, não ficarão chocados com o que eu disse:
O atraso tem uma gama muito mais ampla de funções do que simplesmente ser um atraso.
Quando se pensa em atraso, tenho a certeza que a sua mente vai imediatamente para uma das suas canções favoritas, quando a última linha do verso de um cantor é repetida exactamente 1/4 vezes depois de ele ou ela ter terminado de cantar, ou como parte da introdução de uma canção de metal movida a guitarra (basta ouvir uma canção dos U2 para ver isto).
O atraso pode ser utilizado para vários efeitos interessantes, tanto criativamente como para ajudar uma mistura a manter-se unida. Do ponto de vista da experimentação artística, o atraso pode funcionar um pouco como uma reverberação, com alguma clareza quando usado como um laçador.
Muitos guitarristas independentes sentaram-se fora do bairro ‘hip’ de onde provêm, tocando um acorde maior em dó que se sente injustamente mágico devido à presença de um lunático.
O atraso tem a capacidade de alterar completamente o tom e a estrutura temporal de uma faixa individual ou mesmo de uma canção inteira, de enviar a entrada de áudio de volta em marcha à ré e de adicionar filtros como a modulação de fase ou o EQ ao eco.
No entanto, aposto que agora se pergunta: “Prometeu-nos uma resposta à questão de como evitar usar demasiada reverberação, mas onde é que ela está?
Sim, algumas centenas de palavras e a explicação mais simples que se revelou relativamente complicada pelo atraso e eu ainda não cumpri essa promessa. Bem, pode parar de suster a respiração, porque aqui está ela:
Atraso.
Isto é tudo. A resposta está certa: Atraso.
Use antes o atraso. Evita confusão, excesso e mascaramento involuntário da clareza musical, ao mesmo tempo que permite que as faixas individuais mantenham uma qualidade natural.
Isto pode ser conseguido – e muitas vezes é em música pop e rock – usando um atraso ‘slapback’, que é um eco com uma única repetição que normalmente ocorre muito pouco tempo depois do material de origem, dando a impressão de uma reverberação sem a lama.
Há uma série de tutoriais do YouTube sobre como implementar adequadamente os atrasos slapback nas suas misturas, mas usar o atraso em vez de reverberar é uma das (muito poucas) dicas que estou disposto a dar que se aplica à maioria do seu trabalho criativo.
Saturação (Distorção)
O que é isso?
Embora a saturação fosse utilizada – embora muitas vezes organicamente – antes dos métodos de produção musical contemporâneos, os VSTs de saturação são a resposta do engenheiro moderno à digitalização do material.
É uma tentativa de replicar as qualidades sónicas agradáveis dos métodos analógicos originais de gravação e processamento de música – na idade das trevas – dando uma qualidade tonal mais poderosa e satisfatória às produções digitais que requerem pouco equipamento físico.
Quando os sons, seja uma mistura inteira ou uma faixa individual, são deliberadamente rodados e exagerados utilizando equipamento como amplificadores transístores, amplificadores tubulares e gravadores de fita, o resultado é uma distorção quente e colorida cujo efeito no áudio pode variar de mal audível a comanda.
O doce resultado dos saturadores é devido aos “harmónicos” que são adicionados a uma gravação ou som digital. Quando uma forma de onda é distorcida, a sua resposta de frequência original é alterada, permitindo a adição de novas camadas e texturas que não estavam lá para começar.
Embora isto possa ter efeitos mais extremos e indesejáveis, é o processo básico de um saturador.
Ao adicionar carácter às suas misturas e gravações ao introduzir novas inconsistências musicais, evita perder a musicalidade orgânica que de outra forma se pode perder através do processo digital.
Como e quando devo utilizá-lo?
Devo dizer que os saturadores não são um dos efeitos mais óbvios em que se pensa quando se começa a pensar (ou melhor, a sonhar) sobre os VSTs que se pretende adicionar à colecção de software de áudio digital.
Não é que não sejam “sexy”, são apenas um pouco irreflectidas? Não sei bem porquê, excepto que muitos produtores e compositores de primeira viagem parecem não saber que existem.
Dito isto, cada novo pedal de “distorção” é tecnicamente uma forma de saturação (ou vice-versa), pelo que a maioria dos músicos foram expostos a ele a algum nível.
No entanto, apesar de serem relativamente anónimos, os saturadores são simplesmente fantásticos. Eles apenas fazem as coisas soar bem. A sua presença em cada pista, cada mistura, cada gravação, se utilizada e seleccionada cuidadosamente, é bem-vinda. Podem ser (e muitas vezes são) a peça que falta no puzzle, o VST final que transforma a sua pista de um rascunho acabado numa produção pronta para rádio.
Consigo ouvir-vos a rir neste momento. Sim, eu posso. Não pergunte como. O que é isso? Acha que é uma ideia ridícula colocar distorção num instrumento como uma guitarra acústica, ou um violoncelo solo, não acha?
Admito, pode parecer, mas na prática, esta afirmação não poderia estar mais longe da verdade. A saturação pode ser literalmente (sim, quero dizer literalmente) aplicada a qualquer gravação, instrumentação ou mistura, desde que seja feita com um ouvido cuidadoso e com uma finalidade.
Isto aplica-se a todos os VSTs acima mencionados, mas é uma lição particularmente importante ao considerar uma ferramenta tão poderosa como a saturação – uma ferramenta que pode ser ligada a qualquer coisa e melhorar o som da gravação individual.
Embora esta faixa possa soar melhor, arrisca-se a distrair-se da voz ou do solo de guitarra ou, paradoxalmente, a confundir a sua canção final ao dar a cada gravação individual um novo nível de clareza.
Nunca tomar uma decisão “só porque”. Ter sempre um objectivo ao fazer coisas como adicionar um emulador de fita. Pense no que quer alcançar, e se adicionar um saturador a cada pista atingir esse objectivo, então poderá ter um dia de campo.
E como um presente de despedida para esta secção, vou incluir um conselho que talvez se lembrem. Tenho a certeza de que ficará satisfeito por ouvir isso.
SER SUBSTITUÍDO.
A distorção da fita é uma das mais populares e agradáveis de ouvir efeitos de saturação.
Outros efeitos fixes
Não quero mantê-lo aqui todo o dia (e toda a noite, e toda a semana, etc.) por isso não me vou aproximar de uma lista exaustiva de efeitos áudio que pode obter para o seu estúdio DAW/home.
Dito isto, mencionarei brevemente outros elementos populares que não são tão essenciais à vossa mistura como os cinco grandes já mencionados, mas que podem ter um impacto igualmente importante e excitante.
Analisadores/Metros: Um plugin normalmente visual que mede a amplitude de um sinal de entrada e o relaciona com uma métrica específica – muitas vezes o espectro de frequências. Isto é útil para comparar o equilíbrio da sua mistura com outros do mesmo género.
Refrão: Embora o refrão possa ser criado usando um atraso, há muitos plugins dedicados a emular este efeito com mais maleabilidade. O refrão é essencialmente um atraso extremamente curto e uma pequena mudança de tom entre um som original e uma saída.
Filtros: Os filtros são apenas compensações de EQ pré-automatizadas – um pouco como o que demonstrei na secção de EQ mas normalmente em movimento/evolução constante. O som clássico de um motor a jacto a arrancar poderia ser obtido com um AutoFilter.
Flangers: Os flangers funcionam da mesma forma que os coros, mas com um tempo de atraso muito mais curto, o que causa mais feedback nas frequências altas, resultando num som distinto e ressonante. O refrão soa mais como um estouro detonado – os flangers soam mais como movimento no áudio.
Phasers: Uma vez mais baseados na cópia de um sinal (como coro e flangers), mas desta vez sem utilizar um atraso. O sinal é então passado através de um filtro que cria uma série de picos e canais no espectro de frequências. O som é semelhante ao de um flanger, mas com uma dinâmica ainda maior.
Plugins de panorâmico: Estes permitem geralmente a automatização criativa do panorâmico – utilizando portões e limiares para ditar quando e onde um som designado se move no espectro áudio esquerdo-direito. Alguns plugins de panorâmico permitem “processamento 3d” em vez de simples 50L e 50R.
Conclusão
Esperamos que tenha agora uma visão geral útil de alguns dos mais populares efeitos áudio disponíveis tanto no seu DAW como em plugins VST de terceiros.
A maioria destas manipulações áudio são emulações digitais de equipamento antigo, o que permite a músicos amadores como eu tocar com (talvez demasiado) sem ter de vender toda a sua casa.
O mundo dos efeitos áudio, e por extensão, da mistura, é tão denso e infinito que é impossível aprender tudo o que há para aprender. Mesmo os maiores estão constantemente a experimentar, constantemente a descobrir novas formas de explorar as ondas sonoras para agradar ao seu público.
Mas então, se já soubéssemos tudo, qual seria o objectivo?
Boa sorte, e espero vê-lo na próxima vez que estudarmos a estrutura atómica dos CDs.
Estava a brincar.