Como website dedicado aos melhores pianos digitais 2026 disponíveis, não é surpresa que sejamos grandes apoiantes da música digital. Quase tudo o que fazemos hoje em dia depende em certa medida de computadores, e a música não é diferente.
Uma tecnologia de que provavelmente já ouviu falar é a MIDI, uma vez que vem com quase todos os teclados e pianos digitais modernos. Embora possa parecer arcaico, é uma das ferramentas mais poderosas do arsenal de um tecladista.
Este é o segundo artigo da nossa série sobre os fundamentos da criação musical utilizando software. Anteriormente, abordámos o temido problema de ligar os nossos teclados e computadores. Depois mostramos-lhe como pode utilizar pianos de software para funções de gravação mais flexíveis.
Dependendo do seu nível de conhecimento tecnológico, o último artigo foi ou trivialmente fácil ou um guia útil para o domínio digital da criação musical. Seja como for, esperamos que tenha servido como introdução ou revisão ao mundo do software musical.
O que fazemos desta vez:
Terminei o último artigo com uma declaração ousada. Eu disse que a combinação de instrumentos de software e um DAW era tudo o que eu precisava para criar uma pista pronta para rádio. Desta vez estou a tentar prová-lo, ou pelo menos a aproximar-me desse objectivo.
O piano é um belo instrumento sonoro, e todos nós apreciamos uma boa peça de piano solo de vez em quando. No entanto, as capacidades de um DAW são um pouco subutilizadas se o utilizarmos apenas para gravar pianos.
Hoje vamos mostrar-vos como organizar canções. Mais precisamente, isto significa que iremos acrescentar outros instrumentos às nossas canções.
Tenho uma ideia que poderia usar bateria, baixo e guitarra acústica (assumindo que a pandemia global acabou), poderíamos contratar um estúdio, e reunir algumas pessoas conhecedoras com a experiência necessária.
No entanto, vamos estabelecer alguns constrangimentos. É possível conseguir este arranjo idealizado utilizando a configuração mínima que construímos no último guia (que nem sequer tem um microfone)?
Isto provavelmente não é surpreendente (uma vez que este artigo não existiria de outra forma), mas a resposta é sim.
As nossas instalações
Em resumo, estas são as ferramentas que tem à sua disposição após a última vez:
- Um teclado MIDI/piano digital – o nosso principal meio de traduzir o nosso tocar real em dados. Eu utilizo o Nektar SE49.
- Um computador competente – Fazer coisas em software requer alguma potência da nossa plataforma, mas qualquer sistema construído/liberado nos últimos 7 anos, mais ou menos, deve funcionar bem. Utilizo pessoalmente o meu portátil de produção, um Windows 10 de gama média.
- Uma estação de trabalho áudio digital (DAW) – O cérebro principal da operação. Este é o centro que trata da gravação, edição e sincronização. Como da última vez, estou a usar a suite Ableton Live 10, mas pode usar qualquer DAW a que tenha acesso. Ableton Live 10 tem o período experimental mais longo de qualquer DAW moderno, portanto experimente-o se não tiver a certeza. Se quiser saber mais sobre outro software DAW, reunimos uma
Vamos manter a mesma configuração da última vez, sendo as ferramentas adicionais plugins de software disponíveis gratuitamente que pode descarregar agora. Sugiro que descarregue e instale todos estes plugins antes de reiniciar o seu DAW, uma vez que os DAW executam varreduras sempre que detectam plugins, o que pode levar algum tempo.
Bateria
Steven Slate Tambores 5.5 Grátis. Steven Slate Drums é um dos principais plugins de tambor disponíveis, e lançou uma versão gratuita em 2018. É um roubo absoluto, e os próprios tambores soam bem. Quer se queira tocar leve ou pesado, estes tambores estão definitivamente prontos para o rádio.
Alternativa: MT Power DrumKit 2. Se existe uma desvantagem para SSD 5.5 Free, é o grande número de amostras. Se estiver a utilizar um sistema mais antigo, a perda de desempenho pode não valer a pena, apesar da qualidade do som.
MT Power Drumkit foi o meu plugin de bateria grátis durante anos antes de o SSD se tornar gratuito, e ainda se aguenta, especialmente se se quiser um kit de bateria ao estilo rock moderno.
Baixo
Amplo Som Amplo Baixo P Lite. Muitos plugins de baixo são terrivelmente irrealistas. Um baixo verdadeiro tem apenas 4 cordas, e mesmo que se tente, não se pode tocar as notas na mesma corda ao mesmo tempo.
A maioria dos plugins de baixo baseados em amostras ignoram as limitações de um baixo real e acabam por cair a pique. O Ample Bass P Lite utiliza uma programação inteligente para remediar isto, e soa bem de outra forma. Mesmo se precisar de notas de baixo ou fantasma.
Guitarra
Ample Sound Ample Guitar M Lite. Tal como na discussão do baixo realista, as guitarras são difíceis de tocar no piano, e mesmo os tecladistas mais habilidosos não conseguem reproduzir correctamente as cordas.
A AGML, tal como o seu irmão mais novo, a ABPL, segue as notas que toca e assegura-se de que tudo é humanamente possível. Também tem um bom sequenciador de arranhões, o que soa tão realista que tenho sido capaz de o usar em jingles comerciais.
Cordas
Laboratórios Spitfire Audio Labs. Os laboratórios são um plugin que faz muito mais do que apenas cordas, mas é certamente uma das melhores bibliotecas de cordas gratuitas disponíveis no mercado.
Obtêm-se cordas legatas bem amplificadas que soam melhor do que a maioria das orquestras de cordas que vêm com os pianos digitais, e pode alargar-se ainda mais com a biblioteca de cordas 2, que oferece diferentes articulações como o Pizzicato.
É muito fácil perder-se no ecossistema dos Laboratórios, por isso vamos cingir-nos à biblioteca original Strings.
Sintetizador
Synth1 por Ichiro Toda. Penso que muitas produções modernas beneficiam de alguns sons sintéticos subtis, e a Synth1 é uma das melhores. Um olhar para o site e pensar-se-ia que eu estava a brincar. Synth1 é um dos mais feios instrumentos de software, ponto final, mas isso não diminui as suas capacidades sónicas.
Não se preocupe com a interface intimidante, vamos utilizar as predefinições fornecidas pelo utilizador KVR Mr. Wobbles.
Os critérios de selecção destes plugins eram simples. Tinham de ser livres e tinham de soar bem. Em geral, não se espera muito do que não custa nada, mas estes plugins são inegavelmente a nata da cultura, e utilizei-os todos de uma forma ou de outra para produções comerciais ou demonstrações.
Basta descarregar estes plugins e instalar os seus formatos VST na pasta VST previamente criada no último tutorial. Se estiver a utilizar o Logic Pro como seu DAW, considere a utilização do formato AAX, uma vez que os VSTs não são suportados.
Porque não recomenda (insira aqui o plugin)?
Para além do piano, recomendo-lhe que confie nas minhas escolhas por enquanto. Somos todos pianistas aqui e podemos ser bastante picuinhas quanto aos nossos sons-chave. O mesmo se aplica a todos os outros instrumentos virtuais, mas é melhor começar com escolhas sólidas sem se preocupar demasiado com o facto de estes plugins serem realmente os melhores.
Os tampões são uma toca de coelho profunda que pode facilmente cair se estiver demasiado curioso. Nos meus primeiros tempos, passei demasiado tempo a experimentar diferentes plugins em vez de fazer música.
Se é que vale a pena, gostaria de reiterar que as minhas recomendações estão definitivamente prontas para a rádio, e já as utilizei todas em produções comerciais em algum momento da minha carreira musical.
Preparativos preliminares
Se seguir Ableton, note que estarei a trabalhar na vista Arranjo horizontal, em oposição à vista Sessão vertical que o programa utiliza por defeito. Pode mudar para esta vista usando a tecla “Tab” no seu teclado. Isto também facilita o seguimento por parte de outros utilizadores de DAW.
Agora que seleccionámos os nossos instrumentos, vamos criar o nosso ambiente de produção. Esta secção pode parecer entediante e feia, mas fazê-lo com antecedência irá sem dúvida poupar-nos tempo no futuro.
Aproveitaremos também a oportunidade para resolver problemas comuns.
Como da última vez, utilizaremos uma estação de trabalho áudio digital para fazer a maior parte do trabalho. Trabalhamos com Ableton Live, mas pode usar qualquer DAW moderno.
Os mesmos princípios aplicam-se independentemente da candidatura, e poderá aplicar as competências aqui aprendidas a qualquer situação.
Da última vez utilizámos simplesmente o nosso DAW out of the box, e funcionou suficientemente bem para simples gravação de piano e edição MIDI. No entanto, podemos tornar a experiência mais suave, fazendo algumas alterações e fazendo algumas diligências.
Primeiro, vamos arranjar o controlador de áudio e o tamanho do buffer correctos. O sistema macOS da Apple tende a lidar muito bem com isto por defeito, por isso pode ignorá-lo por agora.
Se é utilizador de Windows, recomendo vivamente a utilização dos drivers ASIO, que resolvem muitos dos problemas associados aos drivers de áudio DirectX, tais como a latência.
Para utilizadores de Windows
Se estiver a utilizar um sistema mais antigo, poderá ter tido problemas de latência no último artigo. Isto não é realmente culpa sua, pois os drivers de áudio DirectX da Microsoft não são ideais para a criação de música.
A maioria dos fabricantes de música Windows utiliza um tipo diferente de driver de áudio, chamado ASIO, que contorna o problema contornando o processamento de áudio da sua placa mãe.
O protocolo ASIO é frequentemente fornecido com interfaces áudio externas, mas podemos virtualmente imitá-lo (com todos os ganhos de desempenho) descarregando o ASIO4All. Este é um driver áudio de código aberto que só entra em acção quando se utiliza software de gravação ou programas de criação musical.
Como trabalhamos com vários instrumentos, eu diria que a sua instalação é obrigatória. Sinta-se à vontade para o saltar se já tiver uma interface áudio externa.
Em qualquer caso, uma vez instalado o ASIO4All, basta ir às definições de áudio do seu software e seleccioná-lo como o driver de áudio.
Configurações do tamanho do amortecedor
Poderá lembrar-se de uma discussão sobre o tamanho do tampão no último artigo. Essencialmente, os buffers de amostra mais pequenos são mais eficientes na redução da latência, mas são também mais intensivos em CPU.
Tente reduzir o tamanho do tampão para 128 amostras e veja se o seu computador consegue lidar com ele. Para o fazer, clique em “Configuração de Hardware” na secção Áudio da janela Preferências.
A maioria dos sistemas não terá um problema no início, mas se começar a ouvir problemas nas partes posteriores deste guia, sinta-se à vontade para o aumentar para 256 amostras. A alteração destes valores na mosca não afecta em nada a latência, graças aos relógios de sincronização embutidos DAWs.
A seguir, vamos tentar ajustar a interface do utilizador. Pode estar satisfeito com o aspecto padrão do seu DAW, mas subscrevo a ideia de que um tamanho não serve a todos, e mudar coisas como o tamanho da letra e o esquema de cores pode ajudar a tornar a experiência mais agradável.
Definições da interface do utilizador
Isto é algo que eu faço sempre com software. Muitas vezes o aspecto e a sensação por defeito do programa não corresponde perfeitamente às suas preferências.
Isto é particularmente óbvio se estiver a utilizar um ecrã de alta resolução, pois o texto é tão pequeno que mal é legível.
Também gosto de usar o modo escuro. Se passar longos períodos de tempo em frente de um ecrã de computador, um tema escuro é mais fácil para os olhos.
Felizmente, Ableton Live inclui estas opções de personalização. São acessíveis através do mesmo separador de Preferências, em Look/Feel. Os meus ajustes pessoais são mostrados acima, mas sinta-se à vontade para brincar com os controles deslizantes até que as coisas lhe sirvam.
Finalmente, vamos verificar se os nossos plugins VST estão correctamente instalados. Cada DAW procura novos plugins no arranque, por isso, em teoria, tudo deve estar bem.
Infelizmente, alguns plugins podem ter um caminho de instalação estranho, ou talvez tenha usado uma pasta de plugins VST personalizada. A maneira mais fácil de testar isto é carregar o seu plugin na sua estação de trabalho de áudio e ver se carrega correctamente.
Problemas comuns com plugins
Um bom hábito para entrar é verificar a sua pasta de plugins antes de instalar novos. Pode fazer isto a partir do menu de preferências do seu software. Descobri que ao fazer isto evita muita frustração de plugin.
Tenha também em mente que os plugins vêm frequentemente em versões de 32 e 64 bits. A maioria dos plugins modernos adoptou o formato de 64 bits, que tem a vantagem de poder utilizar mais de 4 GB de RAM.
Ableton Live 10 removeu completamente o suporte para plugins de 32 bits, mas alguns outros DAWs (como o Reaper) incluem características de ponte que asseguram a compatibilidade.
Por razões de segurança e estabilidade, optar por plugins de 64 bits. Os ganhos de desempenho valem bem a pena.
Agora que temos a parte mais aborrecida do processo fora do caminho, podemos chegar ao coração deste guia. Vamos fazer alguma música.
Passo 1: Escrever uma canção
Este passo é provavelmente o mais longo de todo o processo, mas é o que considero ser o aspecto mais importante. Embora estejamos apenas a fazer um breve tutorial sobre as ferramentas de arranjo, ter uma boa ideia vai ajudar muito.
Pode estar familiarizado com o termo “noodling”, que se refere ao processo de jogar ideias ao acaso, sem rima ou razão, sem nunca se lembrar realmente ou aperfeiçoar as ideias.
Isto é algo que se deve tentar evitar. Mesmo que tenha uma ideia muito vaga, é melhor do que começar do zero. Afinal de contas, mesmo a mais pequena peça de orientação pode fazer a diferença.
Para tirar o máximo partido deste guia, recomendo que demore uma hora a apresentar as suas ideias. Toque alguns acordes e melodias no seu piano e grave-os. Mesmo que tenha apenas uma introdução e um verso, é melhor do que nada.
Se possível, tente pensar em todos os instrumentos de que dispõe actualmente. Temos pianos, tambores, baixo e guitarras. É uma banda completa, por isso tente trabalhar dentro desses constrangimentos.
Uma vez terminada, podemos começar a tornar a ideia mais completa.
Para os fins deste tutorial, vou começar com uma ideia relacionada com o meu trabalho com a minha etiqueta. Estou à procura de escrever uma canção de pop rock de Taiwan, com um ritmo decente de 80 batidas por minuto e uma batida de costas cativante. Também quero manter as coisas suficientemente claras para deixar espaço para as vozes e a linha vocal.
É uma ideia aproximada, mas é o suficiente para continuar.
Saber o que quero também significa que posso definir o tempo e o metrónomo para tornar a gravação mais fácil. Note-se que também utilizo uma contagem decrescente de uma barra para facilitar a gravação.
Pode reparar que utilizo uma assinatura de 8/8 horas. Isto é apenas uma preferência pessoal, mas gosto de ter um metrónomo mais rápido para manter o ritmo. Sinta-se à vontade para deixar o seu em 4/4, ou mesmo 3/4, se lhe apetecer caminhar a pé.
Passo 2: Gravação da ideia fundadora
Uma vez que somos pianistas, começaremos por gravar as partes de piano. Se não tiver a certeza por onde começar, pode consultar oartigo anterior desta série, onde o acompanhamos através dos princípios básicos de pianos de software de gravação.
Em resumo, carregamos o nosso plugin de piano, activamos o metrónomo e armamos a faixa de piano para gravação. Depois tudo o que temos de fazer é premir o botão de gravação e tocar junto. Lembre-se de que adicionaremos tambores e baixo a esta canção, por isso é melhor tocar ao ritmo tanto quanto possível.
Mapeamento de teclas: Por conveniência, atribuo também a tecla ‘R’ no teclado do meu computador ao botão de gravação. Isto permite-me registar diferentes tomadas sem precisar do meu rato, o que me poupa tempo.
Pessoalmente, já fiz vários takes antes de conseguir um com o qual estou contente, por isso não tenha medo de compilar vários takes.
Por exemplo, pode-se ver que utilizei takes separados para a introdução e para o verso. Podem considerar esta trapaça, mas a minha posição é que é minha responsabilidade escrever boas canções, e não ficar solteiro leva perfeito.
Comping: Na sua forma mais básica, o comping envolve tomar diferentes tomadas e juntá-las. Esta técnica é mais frequentemente utilizada para desempenhos vocais, por vezes tão radicalmente como a utilização de tomadas diferentes para cada sílaba da palavra. Há formas muito detalhadas de o fazer noutros DAWs, mas a funcionalidade compulsiva de Ableton Live está atrasada em relação à concorrência.
Deve notar-se que provavelmente regravaremos estas partes numa data posterior. Esta é apenas a ideia básica sobre a qual nos vamos basear, não a parte final do piano. Se desejar aplicar algumas das técnicas de edição MIDI que discutimos acima, por favor, sinta-se à vontade para o fazer.
MIDI Editing: As alterações mais comuns são a velocidade e o tempo das notas, o que pode ser feito facilmente arrastando o rato. A melhor maneira de se familiarizar com as ferramentas disponíveis é jogar com os parâmetros e premir o botão play para ouvir as suas alterações.
Lembre-se que Ctrl/Cmd Z é o atalho de desfazer e pode muitas vezes salvá-lo de uma edição que correu mal.
A quantificação é uma das ferramentas mais úteis à disposição dos utilizadores de DAW. Tenta alinhar automaticamente as suas notas com a grelha actual, tornando-a uma ferramenta perfeita para corrigir imprecisões de tempo sem alterar a sensação geral do seu jogo.
Por defeito, as opções de quantização são pesadas e alinham tudo na perfeição, o que dá uma sensação robótica. No entanto, podemos reduzir a intensidade para cerca de 30%, o que dá uma impressão mais precisa, mas não demasiado estéril.
Passo 2.5: Salvar o projecto
Neste momento, demos o primeiro passo para a realização da nossa ideia. Agora é o momento de salvar o nosso projecto.
A maioria dos DAW modernos são muito estáveis e raramente caem, mas ainda me lembro de tempos em que perdi horas de trabalho devido a uma falha de energia ou outros problemas. Habitue-se a poupar com o atalho Ctrl/Cmd S, e poupará a si próprio muita frustração.
Pode nomear o ficheiro o que quiser, mas eu pessoalmente gosto de nomear os meus ficheiros de projecto no formato ‘{BPM} – {Descrição do traçado}’, substituindo os suportes com os detalhes relevantes.
Neste caso gravo a canção como ’82 – Pop Rock Draft’.
Isto simplesmente acrescenta uma camada de organização às coisas e garante que poderá recuperar o ficheiro do projecto daqui a anos sem ter de recorrer a uma pesquisa exaustiva.
Passo 3: Estabelecer um ritmo
Nesta fase estabelecemos um plano, é tempo de começar a construir sobre as fundações.
Poderia facilmente começar com outros instrumentos, mas eu pessoalmente prefiro começar com os tambores. Eis a razão:
- O ritmo é fundamental: é muito mais fácil de tocar “no bolso” quando se tem um ritmo a seguir.
- Planear a energia: A definição antecipada do ritmo do tambor permite-me planear pontos de interesse como estrangulamentos ou enchimentos, e serve como um lembrete divertido para brincar.
- Controlar a batida: Se for treinado em música contemporânea, poderá ter aprendido que é possível manipular a “sensação” de uma canção através da modulação entre o tempo normal e o dobro do tempo.
Há duas formas principais de gravar um kit de bateria. Pode tocá-lo no seu teclado ou utilizar a sequenciação MIDI. Dependendo do seu nível de jogo de teclado, pode preferir um ou outro.
Aqui está uma lista rápida de mapeamentos padrão de tambores MIDI:
Este esquema baseia-se nas especificações gerais MIDI e é praticamente utilizado em tambores Steven Slate. Também é muito útil quando se apanha o jeito. O verdadeiro jogo ao vivo está fora do âmbito deste guia, por isso deixo-vos a saber mais, se quiserem.
Tambores de teclado: Os tambores de teclado vêm numa variedade de estilos, o que coincidentemente é também verdade para os tambores reais. A maioria das pessoas escolhe tocar o baixo, o tambor de laço e os toms com a mão esquerda. Isto deixa a mão direita disponível para todos os címbalos.
Esta é uma breve explicação, e se estiver realmente interessado, recomendo-lhe que leia uma explicação mais aprofundada sobre o assunto.
Não estou suficientemente confiante na minha capacidade de tocar tambores no teclado, por isso vou trabalhar com sequenciação MIDI. Também é mais fácil de usar se não estiver demasiado familiarizado com os conceitos de tambor.
Sequenciação MIDI: Mencionámo-la brevemente da última vez, mas a sequenciação MIDI refere-se simplesmente ao processo de fazer notas com um rato, em vez de gravar MIDI. Isto é muito útil para pistas de bateria, uma vez que não queremos demasiadas derivações rítmicas, se é que há alguma.
O núcleo de uma batida de tambor é o pontapé e a armadilha. Por agora, vamos concentrar-nos nas teclas C1 (Kick) e D1 (Snare).
Vamos começar por criar uma nova pista MIDI e carregar o plugin Steven Slate Drums. A seguir, carregue o kit de bateria disponível clicando no kit Deluxe 2 Free Edition.
Renomeei a faixa de piano “Piano” e batizei esta nova faixa MIDI de “Bateria”. Tento manter as coisas organizadas tanto quanto possível. Este é outro pequeno hábito útil que funciona muito bem.
Depois inserimos um clip MIDI de 8 barras à volta da nossa parte do piano.
Para o fazer, basta destacar a área onde queremos colocar o nosso kit de bateria, clicar com o botão direito do rato e seleccionar a opção ‘Inserir faixa MIDI’. Isto dá-nos um clip MIDI vazio, que podemos fazer duplo clique para começar a editar.
Comecemos por criar um simples laço de tambor “4 no chão”. O pontapé acerta em cada batida, e o laço acerta em todas as outras batidas. Lembre-se que pode usar Ctrl/Cmd C e Ctrl/Cmd V para copiar e colar, o que lhe poupa tempo.
Soa um pouco suave neste momento, e isso é porque não usamos címbalos. Acrescentemos o “pulso” principal com chapéu duplo fechado. Note-se que adiciono ocasionalmente chapéus abertos e também uso diferentes níveis de velocidade para adicionar variação.
Graças às nossas excelentes amostras de tambor, o ritmo já tem um aspecto limpo. No entanto, é um pouco repetitivo. Vamos mover as notas no 4º compasso para adicionar alguma variação.
Acrescentaremos também um címbalo de impacto nas primeiras batidas do primeiro compasso. Estes são enchimentos muito simples, mas fazem os nossos tambores programados soar um pouco mais humanos.
Como vou para um estilo rock, quero ter um ritmo mais forte, mas também quero que ele seja introduzido gradualmente. Também não sou um grande fã do ritmo de quatro batidas, por isso fiz algumas mudanças radicais aqui e ali, para o fazer soar muito mais balançante.
Este é o aspecto e o som do meu clip MIDI final.
- Muitos bateristas gostam de usar simultaneamente os pratos de batida da esquerda e da direita, por isso vamos fazer o mesmo. Note-se que também mudei o MIDI dos címbalos do acidente de modo a que não atinjam todos exactamente ao mesmo tempo.
- Os tons mais escuros indicam que estas notas de laço têm uma velocidade mais baixa. São notas fantasmas, que permitem ao baterista rodar a batida com a sua mão esquerda livre.
- Estas rápidas notas de laço são o que os bateristas chamam “chamas”. Isto não soa muito realista, uma vez que as chamas reais raramente estão perfeitamente na batida, mas no contexto da canção, funciona.
- Ninguém disse que as quedas só podem acontecer na primeira batida, por isso vamos acrescentar um pouco de impacto às nossas armadilhas na batida de vez em quando.
- Nesta altura, afastei-me dos chapéus abertos e fiz a transição para montar címbalos. As notas ocasionais de batida dupla são inspiradas pelos bateristas de jazz e são uma óptima forma de acrescentar groove ao ritmo.
Notas Fantasmas: Esta é provavelmente a maior diferença entre o nosso ritmo de base e o ritmo final. Acrescento alguns golpes de laço de baixa velocidade para manter o ritmo, mesmo fora das batidas baixas.
Espero que o clip também destaque a forma como utilizo os tambores para planear alguns “pontos de interesse”. No final das primeiras 4 barras acrescento alguns elementos de “lead in”, onde os meus tambores fazem algumas corridas de címbalos antes de entrarem fortes. Esta é uma ideia que estava no meu projecto original de piano e, graças aos tambores, estou a torná-la realidade.
Um verdadeiro baterista teria provavelmente algumas observações a fazer, mas penso que isso é suficiente por agora. Vamos continuar com a próxima parte da espinha dorsal de uma canção, o baixo.
Passo 4: Acrescentar a extremidade inferior
O baixo é frequentemente considerado a espinha dorsal da música, e eu pessoalmente concordo. O baixo é muito difícil de obter, mas o esforço envolvido pode fazer a diferença.
Mais uma vez, pianistas competentes podem facilmente escapar ao tocar ao vivo as partes baixas, mas gostaria de aproveitar esta oportunidade para o guiar através da sequência melódica MIDI.
Na secção anterior utilizámos a edição MIDI para desenhar os nossos padrões de tambor, e eu diria que os resultados falam por si. Vamos tentar replicar esse processo aqui. Comece por criar uma nova pista MIDI, e carregue o plugin ABPL.
Há muitas características na ABPL, mas o seu jogo de dedos legato padrão é exactamente o que queremos. Se quiser utilizar sons de staccato ou slap bass, tente passar o rato por cima do teclado no ecrã na interface do plugin para saber mais.
Primeiro, vamos começar com uma linha de baixo simples que siga os nossos acordes. Vamos cingir-nos ao básico absoluto por agora, e utilizar apenas as notas fundamentais.
Deixei o MIDI do meu piano original como notas cinzentas para referência. Pode desactivar as notas premindo a tecla Numpad 0 se quiser fazer a mesma coisa.
Se for preguiçoso, pode simplesmente copiar o MIDI da sua faixa de piano e apagar as notas de cima, mas eu não o recomendo. Lembra-se de como dissemos que o ritmo é a chave, e como o usámos para justificar o nosso uso de tambores sequenciados?
Bem, o mesmo se aplica aqui. Os tambores não são o único aspecto do ritmo, o baixo é outro grande tocador.
Mesmo se decidir trabalhar com a cópia, tente usar uma quantização mais pesada para manter o pulso rítmico sólido. Isto é o que temos até agora.
Parece bom até agora, mas está um pouco fora de moda. Lembre-se que o baixo é principalmente parte da secção rítmica. Portanto, teremos de trabalhar com os tambores, em vez de nos limitarmos a seguir os acordes.
Uma regra simples é seguir o baixo do tambor. Isto dá um pulso rítmico muito sólido, e na maioria dos casos é suficiente. Também se pode tentar cortar as notas nos tambores de laço em ritmo, antes de as trazer de volta no próximo pontapé (isto é algo que eu segui muito vagamente nesta canção).
Compreendo que a minha batida original é um pouco agitada, mas usando estas regras simples obtemos algo como isto.
Desta vez deixei o MIDI do baixo e o tambor de laço para referência. Já sei que acordes são, pelo que o MIDI do piano não é tão necessário.
É um pouco aborrecido, no entanto, e nenhum músico de verdade vai parar por aí. Vamos tentar apimentar as coisas. Já devem ter reparado que deixei a minha canção bastante esparsa.
Vamos tentar preencher estas lacunas com alguns preenchimentos de baixo.
A maioria dos tecladistas contemporâneos provavelmente sabe muito mais sobre a teoria da composição de baixo, mas eu vou cingir-me a regras simples.
Vamos manter a balança, e tentar mover-nos entre os acordes de diferentes maneiras. Isto é feito encurtando as notas em pontos estratégicos e preenchendo os espaços em branco.
Tornámos o nosso pulso rítmico muito mais interessante, e atrevo-me a dizer, mais humano.
Para ser bastante honesto, dou muitas vezes por mim a deixar as partes baixas aos músicos da sessão. Há algo de mágico no trabalho de um baixista experiente que o leva ao nível seguinte. Poderíamos tentar imitar isto no MIDI usando slides e martelos, mas penso que isso será suficiente por agora.
Em alternativa, pode desejar silenciar as faixas anteriores ou simplesmente reduzir o seu volume. Em Ableton, estes são os controlos de pista na extrema direita do Ecrã de Arranjo, mesmo ao lado do botão “Iniciar Gravação”.
Estes controlos são extremamente úteis, por isso habitue-se a utilizá-los.
Passo 5: Acrescentar uma guitarra de cordão
Tal como os baixos, as guitarras podem ser tocadas de várias maneiras. Poder-se-ia tocar notas, essencialmente utilizando a guitarra como um piano cuja polifonia é limitada a 6 notas. No entanto, é a técnica de dedilhar que estou depois deste tempo.
Strumming é algo que é quase impossível de emular usando teclados, e muitas vezes terá de confiar num músico de sessão ou num pacote de amostras se quiser alcançar o efeito desejado. Contudo, o AGML é um dos poucos plugins que torna fácil a programação de peças de strumming.
Bem, fácil é um eufemismo. É preciso um pouco de preparação e compreensão, mas os resultados valem bem a pena.
Mais uma vez, vamos carregar uma nova pista MIDI e inserir AGML nela. A interface parece muito semelhante à ABPL, por isso sinta-se à vontade para a explorar se quiser personalizar os sons da sua guitarra com mais detalhe.
A interface tem como padrão um modo de jogo baseado em notas, mas podemos mudar para o modo de riscar acordes, o que requer algum trabalho preparatório.
Antes de mais, vamos activar o modo de edição de strumming clicando no botão correspondente. Isto traz à tona uma interface que parece muito complexa. A dificuldade de compreender esta página depende realmente do seu nível de domínio das guitarras.
- O desenhador da forma do acorde. Se for guitarrista, pode colocar “dedos” virtuais nas suas posições ideais no pescoço. Se não está, não perca a esperança, porque há…
- O selector de acordes. Tem 24 ranhuras para trabalhar (13-24 acessíveis com o botão 2 no canto inferior direito). Começa-se por seleccionar a raiz do acorde (C), depois o tipo de acorde (menor). Isto evita ter de conhecer a dedilhação da guitarra, o que é uma vantagem para os compositores!
- O modelista. Tem os traços típicos para cima e para baixo, bem como as variações de meio curso. Há também cordas individuais, notas de estrangulamento e de fantasma, mas mantive as coisas simples usando os 3 traços principais.
Como já estabelecemos os nossos acordes na fase de esboço, podemos adicionar imediatamente os nossos acordes à lista. Por agora, mantenho as minhas ideias iniciais de acordes, usando principalmente acordes maiores e menores, com um 7 dominante e acordes diminuídos para as passagens.
Se lhe apetecer, pode também adicionar inversões especiais ou versões aumentadas dos seus acordes, por exemplo, adicionando 7’s e 9’s. Isto acrescenta algum interesse harmónico à mistura, mas por agora vamos manter as coisas simples.
A vantagem de usar sequenciação baseada em MIDI é que podemos mudar facilmente os nossos acordes no futuro, bastando para isso clicar em alguns botões.
Se achar a edição de cordas confusa, sugiro que veja alguns vídeos de cordas de guitarristas acústicos para ter uma ideia. Demorar algum tempo a recriar verdadeiros padrões de strumming pode ajudá-lo a familiarizar-se com este plugin.
Para ouvir o seu padrão de arranhão sequenciado, pode clicar no botão play para ouvir as suas alterações. Note que também se sincroniza com o seu ritmo, o que é apenas uma das maravilhas da integração de software de música moderna.
Para começar, vamos apenas utilizar o padrão padrão padrão fornecido pela AGML. Este é um padrão muito básico, mas soa bem assim que o arranjamos com a nossa canção. Atribuí acordes 1-5 como os acordes utilizados na minha canção.
Compreendo que o C# maior é repetido nos quadrados 2 e 5, mas pretendo acrescentar mais tarde uma inversão diferente para a última barra. Tenho sorte que a minha ideia de canção só tem 4 acordes.
Depois, activamos o interruptor esquerdo para colocar o plugin em modo strumming.
…e tocar os padrões de acordes correspondentes através do MIDI. Consultar o teclado do plugin para ver porque é que acertei nestas notas específicas.
Essencialmente, as notas mais baixas alteram os acordes. A nota de cima escolhe qual o padrão de dedilhação a tocar. Neste caso, estou a usar um único padrão, razão pela qual as coisas soam perfeitamente úteis.
Eu diria que soa bem, mas há alguns problemas. O padrão simples encaixa surpreendentemente bem, mas não encaixa tão bem uma vez que eu desligue os tambores. De facto, não segue os ritmos que tínhamos planeado meticulosamente de antemão. Pessoalmente, penso que o maior problema é que a dinâmica da guitarra está completamente errada.
O primeiro problema é bastante fácil de resolver. Vamos mudar o padrão, personalizando-o. Isto é muito complicado, e admito que me senti realmente tentado a “fazer batota” pegando na minha guitarra acústica e gravando-a, mas vamos continuar com isso. Também não precisamos de nos limitar a um padrão de arranhão.
A utilização de tons diferentes permite-nos adicionar variações e chamá-las, se necessário. Utilizo alguns outros locais de padrão para obter alguma variação, particularmente para as nossas duas secções de preenchimento.
Agora utilizo três padrões em vez de um, e o som está um pouco mais próximo do que inicialmente pretendia.
Vamos adicionar o piano, e baixar ligeiramente o volume.
É uma grande melhoria, mas tivemos de passar muito tempo com ela. Eu poderia provavelmente fazer mais algumas mudanças para o fazer parecer ainda mais realista, mas penso que é suficientemente bom como está. A guitarra não é o instrumento principal da canção, e com um pouco de equilíbrio e mistura de som, ela encaixará perfeitamente.
Embora pudesse ter posto um microfone na minha guitarra e ter feito a mesma coisa sem ter de me preocupar com a sequenciação, é bom saber que plugins como este existem para pessoas que não possuem ou não sabem tocar uma guitarra.
Se tudo o que precisa é de guitarras baseadas em notas, já está pronto. Tocar qualquer tecla no seu teclado desencadeará uma nota na guitarra virtual, e verá que o plugin tenta forçar as suas notas para os limites de uma guitarra real.
Por exemplo, se tocar uma nota na mesma corda, a nota anterior será automaticamente cortada, quer por um slide ou por um martelo, dependendo da forma actual dos outros dedos virtuais.
Como guitarrista, estou muito impressionado e surpreendido que as mesmas técnicas de pré-processamento não estejam já a ser implementadas em teclados e estações de trabalho de topo de gama.
(Isto também explica porque sou demasiado duro quando avalio as amostras de guitarra incorporadas, ou seja, a sério, um plugin gratuito pode fazê-lo, portanto, porque é que as grandes marcas não podem fazer algo semelhante).
Passo 6: Acrescentar cordas orquestrais
A nossa canção já soa bastante completa, mas falta-lhe algo. A maior parte das vezes trata-se de acrescentar um elemento musical sustentado, como cordas de legato, à nossa canção.
Felizmente, estes instrumentos são baseados em chaves. Isto significa que não tem de aprender nenhuma técnica estranha para obter um som satisfatório dos seus plugins.
Como sempre, começamos por adicionar uma pista MIDI e carregar o plugin LABS da Spitfire Audio. Não se esqueça de carregar também a biblioteca de cordas no menu pendente.
Agora pode tocar naturalmente na sua canção, e eu sugiro que o faça para começar. É importante conhecer a biblioteca de cordas que está a utilizar e compreender as nuances de como a velocidade afecta o ataque e a libertação de amostras.
Se essa última frase não fizer sentido, não se preocupe demasiado. Ataque refere-se essencialmente ao tempo que leva para que uma amostra atinja o volume máximo. Um ataque alto dá a um som uma qualidade de inchaço, enquanto que um ataque baixo dá a sons um efeito directo e pontiagudo.
Entretanto, a libertação refere-se ao tempo que leva para que uma amostra se desligue depois de as suas chaves terem sido libertadas.
Não se esqueça de tentar brincar com o seu botão. No caso do LABS, controla o volume das cordas. Em algumas outras bibliotecas de cordas, pode dar-lhe o controlo manual do vibrato.
Pessoalmente, o meu processo de produção de cordas é assim.
- Comece por gravar um jogo MIDI ao vivo para obter ideias.
- Utilizar a pesada quantização e edição manual para limpar a gravação.
- Fazer alguma sequenciação MIDI para adicionar interesse.
- Alterar manualmente a velocidade MIDI e modwheel para adicionar realismo.
É um belo ciclo de experimentação e melhoria iterativa das coisas, que parece ser uma forma eficaz de trabalhar. Já vi profissionais fazerem tomadas de vida únicas, mas ainda não estou a esse nível.
Utilizo alguns acordes básicos com 7s e 9s, e diria que isso soa bem.
Tento fazer o meu melhor para manter constante o número máximo de notas tocadas em qualquer momento para cada bloco. Um quarteto de cordas ou uma orquestra não podem acrescentar novos tocadores na mosca, pelo que a imposição desta limitação ajuda a manter uma sensação de consistência.
Se eu tivesse uma crítica, seria que as cordas soariam um pouco como um pensamento posterior. Não há um “desenvolvimento” real ao longo de toda a canção.
Agora vou tentar adicionar algumas edições manuais para acentuar as notas de passagem e preencher algumas lacunas na canção. O MIDI parece um pouco mais complexo agora, mas pessoalmente penso que os resultados valem a pena.
Além disso, também utilizei o editor MIDI para adicionar alguma modulação modwheel. Pode aceder-lhe através deste pequeno símbolo sob o editor MIDI, e seleccionando o MIDI CC correspondente para modificar.
Deve ter reparado que “Hold Pedal” e “Pitch Bend” são também opções. Tente usá-los, se quiser.
A minha ideia tem um outro simples com apenas o piano, pelo que ter uma roda de modulação descendente faz com que as cordas se desvaneçam gradualmente.
Neste momento, penso que a nossa canção está pronta para ser exportada. Enviá-lo-ia então para um topliner ou letrista para acrescentar vocais. No entanto, ainda não chegou ao fim.
Para além do problema óbvio da falta de mistura, também não soa “especial”. É certamente “bom”, mas devemos realmente tentar torná-lo “interessante”.
Se já estiver satisfeito com o que tem, sinta-se à vontade para passar ao passo seguinte. Contudo, penso que saber usar sintetizadores é uma habilidade valiosa a ter.
Passo 7: Adição de sintetizadores electrónicos
Uma das coisas de que gosto ao fazer música num computador é a enorme variedade de sons disponíveis. Os sintetizadores analógicos físicos são extremamente caros, e estão provavelmente fora de alcance para o público em geral. Felizmente para nós, existem sintetizadores de software, e há muitos deles.
Os sintetizadores são um dos meus instrumentos musicais preferidos, e isso deve-se ao enorme grau de personalização que se pode fazer.
A maioria dos sintetizadores expõem-lhe quase todos os aspectos do motor do som, e este grau de controlo é verdadeiramente libertador.
Os passos envolvidos no funcionamento de um sintetizador estão muito para além do âmbito deste artigo, mas não é necessário compreender o que todos os botões fazem.
Vamos simplesmente utilizar algumas das predefinições, mas vamos aplicar algumas alterações para que os sons se ajustem melhor à nossa canção.
Cobriremos dois tipos principais de sons de sintetizadores, nomeadamente almofadas e arpejadores. Não se esqueça que também pode utilizar sintetizadores como baixos, cabos, ou mesmo como um gerador de efeitos sonoros.
Primeiro que tudo, vamos tentar usar um som de almofada em vez das nossas cordas.
Como habitualmente, começaremos por carregar uma nova pista MIDI e o plugin Synth1. Desta vez, vamos também silenciar a faixa de cordas. Em Ableton Live, isto é feito clicando no ícone do altifalante na faixa correspondente.
A seguir, vamos confirmar que o nosso pacote pré-definido Mr. Wobbles foi instalado correctamente. Se estiver com problemas, tente verificar algumas das respostas neste post do fórum. Basicamente, é necessário clicar no botão “opt” na interface e atribuir o pacote pré-definido a um banco gratuito.
Infelizmente, as predefinições padrão da Synth1 não lhe permitem mostrar as suas capacidades. Felizmente, o pacote pré-definido que recomendamos vem com uma tonelada de sons surpreendentes que são utilizáveis logo à saída da caixa.
Podemos então carregar o banco clicando na exibição do texto mais baixo. No meu caso, o pacote pré-definido é atribuído ao banco 00. Clicando sobre ele também revela os 128 sons incluídos, etiquetados por tipo.
Uma vez que estamos a olhar especificamente para as almofadas, vamos escolher a predefinição #75, o Euphoni PAD. Este é um grande bloco com um pouco de movimento e largura subtil. Podemos então gravar ou sequenciar as peças de almofada que quisermos.
Pessoalmente, acabei de copiar o MIDI da minha faixa de cordas e movi-o para cima de uma oitava. Uma vez que mantive o meu arranjo de cordas bastante simples, ele encaixa perfeitamente. Lembra-se da modulação modwheel que acrescentei? Também afecta o movimento do filtro do sintetizador.
Parece suficientemente bom, mas sinto falta da riqueza directa das cordas. Felizmente, não temos de escolher entre um e outro. Podemos colocar os dois sons e tocá-los simultaneamente.
Para que a almofada soe melhor com as cordas, vou fazer algumas alterações. Sinto que o sintetizador demora um pouco mais a desligar, por isso recusei a libertação do amplificador e atrasei o feedback. Também leva um pouco de tempo a abrir, por isso baixei ligeiramente o ataque do filtro.
- O envelope do amplificador que afecta o volume do som ao longo do tempo. Modifiquei os botões Attack (A) e Release (R) para se adequarem à minha canção.
- O envelope do filtro que afecta o brilho do som ao longo do tempo. Mais uma vez, modifiquei o Ataque (A) e a Libertação (R). Sinta-se também livre para brincar com a frequência e ressonância.
- Unidade de atraso incorporada. Recusei os controlos Dry/Wet e Feedback para o tornar mais subtil.
Sinta-se à vontade para editar os botões para ver o que eles fazem. Estas são as definições que utilizei para o seguinte clip de áudio.
Optei também por remover a nota MIDI mais baixa da almofada e da modulação modwheel. Isto remove alguns dos movimentos indesejados de baixa frequência, o que penso que não se adequa à minha ideia de canção.
Penso que os sintetizadores são realmente bons a melhorar os sons existentes desta forma, porque são tão estranhos que se podem cortar as partes de que não se gosta.
Também apliquei um EQ baixo para remover algum do ruído de baixa frequência, mas falaremos sobre isso no último artigo desta série sobre mistura.
Finalmente, vamos acrescentar um bom arpeggiador aos nossos preenchimentos. Não quero realmente que este som seja uma presença constante durante toda a canção, só quero que conduza à segunda metade da nossa secção instrumental principal. Pense nisso como um “doce auricular” subtil, adicionando potencialmente alguma memorabilidade.
Carregue a sua última nova pista MIDI do dia, e adicione uma nova instância de Synth1.
Em vez de utilizar uma das predefinições de arpejador incluídas (ARP rotulada), modificarei uma das predefinições de chumbo. Optei por trabalhar com o preset 28, LD Lunar. Este é um grande som de chumbo, mas também podemos usá-lo como arpejador com algumas modificações.
Estas são as configurações modificadas que utilizei. Poderá reparar que existe uma pequena unidade de reverberação junto ao plugin, e esta é a unidade de reverberação Ableton, que também pode ser adicionada na secção de efeitos áudio.
Como da última vez, vamos reduzir a libertação do amplificador, o que reduz a cauda do nosso som de sintetizador. Podemos adicionar reverberação na próxima vez.
Em vez de utilizar o arpejador incorporado, prefiro pessoalmente escrever as minhas próprias linhas de arpejo para tocar. Acrescentei esta faixa MIDI no final da nossa secção de entrada.
Pessoalmente penso que acrescenta um toque lúdico à transição. Até se pode dizer que é giro. No entanto, é, pelo menos na minha opinião, algo que soa um pouco mais memorável.
Passo 8: Finalizar as coisas
É sempre divertido olhar para trás e ver como construímos a nossa ideia, peça por peça. Percorremos um longo caminho desde o nosso ponto de partida, e mesmo após anos de arranjos, ainda me surpreende como podemos transformar uma simples ideia em algo que soa tão completo.
Naturalmente, seleccionei pontos de venda e ideias para utilizar neste guia. É provável que se tenha visto insatisfeito com algumas das coisas que tem feito até agora. Aposto que alguns de vós que seguiram o guia voltaram atrás e regravaram ou mudaram algumas partes.
Isto é bastante normal e, de facto, recomendo-o vivamente. Se tiver o hábito de fazer backups incrementais ou controlo de versões, terá também pontos de controlo de fácil leitura.
Quando estiver satisfeito com a sua canção, pode exportá-la como ficheiro WAV ou MP3 (dependendo do que o seu DAW suporta ou não).
Em Ableton Live, pode exportar um ficheiro MP3 ao mesmo tempo que o ficheiro WAV, activando a opção “Encode MP3”.
Passo 9: Regresso
Não me apressaria a carregar a canção para o YouTube, ou mesmo partilhá-la com os seus amigos. Pessoalmente, gosto de deixar uma canção “ferver” durante um dia ou dois, antes de voltar a ela para corrigir quaisquer problemas que possa ter perdido na pressa inicial.
Trabalhar numa canção durante horas a fio sem interrupção leva inevitavelmente à fadiga auditiva, o que leva os humanos a tomar decisões indesejáveis. Isto pode ser um pouco atenuado com a experiência, mas já cometi erros suficientes no meu tempo para saber que não posso ser confiável.
Conclusões
Espero realmente que este artigo lhe tenha dado uma melhor compreensão do processo de criação de acordos. Espero ter-vos dado o mesmo momento mágico que tive quando percebi pela primeira vez que não precisava de um estúdio e músicos de sessão para fazer música de qualidade profissional.
Este não é um guia completo, pelo que algumas partes podem parecer um pouco vagas. Em vez disso, tentei dar-vos os passos essenciais e falar-vos de algumas dicas e truques que aprendi ao longo dos anos.
Espero também que o formato de incluir picadas de som funcione. A música é um meio áudio, e descrever simplesmente porque fiz certas coisas pode não ser suficiente para fazer passar a mensagem. Desta forma, obtém-se feedback directo sobre a razão pela qual escolhi fazer as coisas de uma certa forma.
Pode até ter discordado de algumas das minhas decisões. É o que eu faço a toda a hora. Na maioria das vezes, o arranjo final que é enviado para o cliente ou cantor não contém sequer uma única faixa do rascunho do primeiro dia.
Qual é o próximo passo?
Temos mantido as coisas extremamente simples até agora. Para além do nosso computador e de um teclado MIDI, temos muito pouco equipamento.
Se quiser gravar instrumentos ou vozes reais, tais como o baixo e as partes de guitarra mencionados acima, terá de começar a construir um estúdio, o que é naturalmente difícil se tiver um orçamento limitado.
Felizmente, escrevemos uma série de artigos sobre os requisitos de hardware e software de um produtor musical moderno. Este artigo dá uma visão geral do equipamento de que poderá necessitar e é uma óptima leitura em geral se quiser começar.
Também não temos falado muito sobre plugins VST, optando por nos concentrarmos apenas em algumas opções livres.
Se é um pianista interessado em compor ou arranjar, deve a si mesmo ler o meu artigo. Apresenta todos os principais VSTs de piano no mercado e explica porque estão entre os plugins mais populares.
Finalmente, vale a pena notar que as nossas canções ainda não estão realmente acabadas (e não, isto não é uma reflexão filosófica sobre a citação Vinci “A arte nunca está acabada”).
Ainda precisamos de aplicar algumas misturas para que as nossas canções soem bem. Até agora, o conteúdo musical é bom, mas os sons não parecem ser coerentes.
Por vezes descubro que canções não misturadas (ou mal misturadas) dão a impressão de que os diferentes instrumentos são gravados em ambientes diferentes, o que acaba por diminuir a experiência de audição.
Na parte final do nosso guia de criação de música com software, falaremos sobre o processo de mistura e mostrar-lhe-emos como levar a sua canção para o próximo nível.
Se estiver interessado, fique atento.